El evento Noon to Midnight en Disney Hall le permite elegir entre veinte actuaciones diferentes en varios lugares del lugar.Es imposible ver todo durante las doce horas, pero aquí hay más de lo que escuché.Jacaranda Music subió al escenario principal del concierto a las 2:00 p. m. para interpretar The Illusion of Permanence, de Rajna Swaminathan, un estreno mundial y una comisión de LA Phil.Llegó el conjunto integrado por contrabajo, violonchelo, viola y violín junto con flauta, oboe, trompeta, marimba y piano.El compositor tocó la tabla y proporcionó la voz.Todos fueron dirigidos por el director David Bloom.El sonido de este pequeño conjunto llenó la gran sala con un sentimiento lánguido y tranquilo.La tabla mantuvo un pulso constante y tranquilizador que también agregó un sentimiento exótico, claramente inspirado en la tradición clásica india.Los familiares instrumentos acústicos occidentales se mezclaron fácilmente con la sensibilidad mística de la música, dando como resultado un sonido muy accesible.A medida que avanzaba la pieza, los solos de cada instrumento flotaban dentro y fuera de la textura, lo que aumentaba la sensación de paz.Al final, los músicos dejaron sus sillas y se movieron por el escenario mientras cantaban en hermosa armonía.Cuando los últimos sonidos de La ilusión de la permanencia se desvanecieron, hubo un silencio largo y pensativo mientras la audiencia procesaba esta pieza silenciosamente hermosa.Más tarde esa tarde, el percusionista Joseph Pereira reunió su colección de timbales, un bombo, amplificadores y computadoras en el BP Hall para presentar dos piezas originales, ambas primicias mundiales.Fueron producto de la experimentación durante los largos meses de aislamiento por covid cuando había pocas oportunidades de tocar en público.Ambas piezas exploran la grabación y el procesamiento electrónico de sonidos creados por varios métodos nuevos para excitar la superficie del parche del tambor.Magnificent Desolation fue el primero, interpretado en un bombo grande montado de tal manera que el parche del tambor estaba horizontal.Se colocó un micrófono sobre esto y se produjeron una serie de sonidos rápidos al golpear o frotar el parche del tambor con varios objetos.Luego, los sonidos procesados ​​y amplificados se proyectaron en los vastos espacios del BP Hall, con resultados impresionantes.A veces, los sonidos eran como el estruendo de un trueno o el suave remolino de las olas en la arena de la playa.Un bloque de madera aplicado al parche del tambor producía un sonido más áspero, casi abrasivo, que se procesaba en un gran rugido.Un golpe de mazo se convirtió en un disparo de cañón y un recipiente metálico con forma de campana en el parche del tambor agregó una sensación mecánica cuando se amplificó.Un címbalo se estrelló contra el tambor con lo que solo podría llamarse un resultado sorprendente cuando se amplifica.Cuando el címbalo se inclinó mientras descansaba sobre el tambor, el efecto era convincentemente extraño.Magnificent Desolation amplió y luego ilustró dramáticamente el vocabulario del bombo, llevándolo mucho más allá de su papel convencional.Le siguió Kyma, para timbales y electrónica.Se amplificó un conjunto de cuatro timbales y se procesaron los sonidos como en la pieza anterior.Esta configuración le dio a Pereira la oportunidad de mostrar algunas habilidades de percusión serias mientras se movía suavemente entre los tambores produciendo varios efectos.Cuando se aplicaron mazos convencionales en un rollo típico, el resultado amplificado fue un fuerte estruendo que se asemejaba a una poderosa explosión.La rápida mezcla de golpes en los cuatro timbales produjo una inesperada variedad de nuevos sonidos.Kyma fue una exhibición virtuosa de nuevas técnicas posibles en los timbales, ese ancla tradicional de la percusión orquestal.Después de la percusión, Piano Spheres llegó al BP Hall en las personas de Vicki Ray y Aron Kallay para la interpretación de dos piezas para teclado.El primero de ellos fue Rad, de Eno Poppe y se trataba de un dúo con dos teclados electrónicos programados para microtonos.Esto comenzó con un teclado haciendo sonar una frase repetitiva mientras el segundo pronto se unía al contrapunto.Esto pronto se transformó en una serie de frases agradablemente complejas y muy independientes que compartían un ritmo común.A medida que avanzaba, los ritmos saltones y las ondas en cascada de sonidos microtonales se extendieron sobre la audiencia del BP Hall que se había llenado hasta rebosar.Incluso había una larga fila de espectadores mirando hacia abajo desde la barra del nivel superior.La coordinación entre los músicos de Piano Spheres fue notable, incluso cuando el fraseo se hizo más fuerte y los ritmos más percusivos.Luego, la pieza cambió, continuando con un ritmo deambulante y una sensación un poco más apagada.Al final, una serie de frases cortas y mordaces surgieron en una especie de conversación de llamada y respuesta que se intensificó hasta convertirse en una discusión abierta.Se emitieron frases largas y gruñonas, enviando furiosas cortinas de sonido por todo el salón.El tempo y la energía aumentaron hasta que finalmente los dos intérpretes colapsaron sobre sus teclados, sus antebrazos crearon un grupo de tonos culminante final.Siguió una gran ovación por lo que fue una actuación hábil y emocionante de dos pianistas destacados.La segunda pieza de Piano Spheres fue Four Organs de Steve Reich.Thomas Kotcheff y Sarah Gibson se unieron a Vicki Ray y Aron Kallay para este venerable trabajo de minimalismo clásico.Los cuatro teclistas y Derek Tywoniuk, el que toca las maracas, se sentaron alrededor de una mesa, y esto resultó importante ya que permitió a los teclistas comunicarse visualmente.Four Organs comenzó con un ritmo constante proporcionado por la maraca y una breve frase de dos notas de los cuatro teclados.Finalmente, uno de los jugadores agregó a la nota corta antes del acorde de tutti.A medida que avanzaba la pieza, los otros músicos comenzaron a alargar sus notas, a menudo comenzando uno o dos tiempos por delante de los demás.A diferencia de otras obras del Reich, en las que los ritmos de las corcheas suelen variar mediante la suma o la resta, Four Organs continúa con los intérpretes añadiendo frases alargadas en diferentes momentos, una especie de contrapunto anverso.Todo esto requiere un conteo cuidadoso y una estrecha comunicación entre los jugadores.El pulso constante de la maraca ayudó, pero los artistas estaban en constante contacto visual y se podía ver asintiendo con la cabeza para confirmar el conteo.La precisión resultante fue impresionante.El sistema de sonido también estuvo a la altura del desafío de BP Hall, típicamente ruidoso por el tráfico peatonal alrededor de las escaleras mecánicas adyacentes.Los artistas navegaron con éxito por Four Organs y se convirtió en un agradable respiro minimalista después del frenesí de la pieza anterior.Justo al atardecer, BP Hall se reconfiguró para Song Cycle, LIVE by Special Request, compuesta por Chris Kallmyer y un estreno mundial encargado por LA Phil.Se colocaron tres grandes mesas separadas unos metros, dos de las cuales estaban equipadas con teclados y una variedad de objetos cotidianos y musicales.La tercera mesa tenía un micrófono y una pila de flores cortadas.Un 'superequipo' de músicos estaba estacionado junto a las mesas;dos en los teclados, así como una guitarra y una trompeta.Kallmyer estaba al micrófono para recitar su texto para la pieza y la directora Zoe Aja Moore estaba lista junto a las flores.Song Cycle está diseñado para ser una pieza indefinida sin límite de tiempo fijo;esta actuación duró unos 45 minutos.El texto constaba de unas pocas docenas de declaraciones simples, variadamente introspectivas, reflexivas o nostálgicas.La secuencia de estos se puede reordenar aleatoriamente mientras se vaya a interpretar la pieza.Song Cycle comenzó con acordes que cambiaban lentamente y un hermoso lavado ambiental que formaba la base perfecta para los otros sonidos instrumentales a medida que entraban y salían del flujo.Kallmyer recitó el texto lenta y deliberadamente, su voz descansando tranquilamente en los oídos y habitando en silencio las emociones de la música.Los sonidos eran sostenidos y el ritmo lánguido.A veces, las líneas instrumentales subieron y bajaron agregando algo de variedad a la textura.A medida que las palabras del texto caían sobre los diferentes colores de la música, nuevas emociones se agitaban en el oyente.El efecto fue como reflexionar sobre una puesta de sol y ver cómo se despliegan los colores que cambian lentamente.Después de la primera lectura del texto, se inició una nueva secuencia y el ritmo aumentó ligeramente.El director Moore luego tomó algunas flores de la mesa y comenzó a construir un arreglo en un jarrón grande.La música y el texto continuaron como antes, pero la construcción del arreglo floral ocupó la atención visual del oyente, aumentando el espacio mental para el elemento meditativo de la experiencia.Esta fue una parte brillante de la puesta en escena y aumentó en gran medida la participación de la audiencia.Cuando se completó el arreglo floral, la pieza se deslizó suavemente hasta su cierre.Song Cycle LIVE de Special Request es el típico Kallmyer, una combinación magistral de texto, sonido y simplicidad que brinda infinitas posibilidades para la inspiración contemplativa.Lea la excelente reseña de Mark Swed de Noon to Midnight en el LA Times para conocer su cobertura de muchas de las piezas que no pude escuchar.Con la tecnología de WordPress |Tema: Newsup por Theansar.